學琴有專業和業余之分，但小提琴老師的教學方法不應該有專業和業余之分。無論琴童是專業學習音樂還是將音樂作為興趣愛好，都應該接受科學正規的基本功（音樂基礎）訓練。
學生的基本功水平是它演奏所有頂級作品的起點，因此基本功并不僅僅是基礎，更是為高級音樂作品提前構思的“頂層設計”。

學生像植物，老師如沃土。每個學生都像獨一無二的植物，他們需要慢慢成長。教育可以干預成長過程，但誰都不能預測結果。如果一位老師既能暢談音符之上抽象的音樂哲思，又能解決音符之下一個個具體的技術問題，還“行得正，坐得端”，這樣的教師可謂沃土。

老師的教學水平直接決定了孩子的基本功水平，因此在下面的內容中先聊聊小提琴的基本功，再說關于小提琴老師的話題。

從基本功說起

最近有家長求助琥珀君說：“孩子業余學小提琴，每天能練琴1-2個小時，曲子練了不少但是怎么拉都不好聽，有什么辦法提高？”

琥珀君把錄像轉給專業老師點評，結果發現琴童對于持琴、運弓、手型等小提琴演奏的基本功有問題，解決的辦法只能退回起點重新學習“基本功”。

近些年，琥珀四重奏的老師們在教學與比賽評審工作中見過“千奇百怪”的演奏，其中有些孩子是演奏的“苗子”，但由于基本功訓練不正確結果被耽誤了。

基本功有“肌肉記憶”，如果學生的基本功訓練有問題，改毛病所耽誤的時間至少是正常學習的三倍（以上），其中大部分時間都在糾正錯誤的肌肉記憶，這不僅浪費人力、物力、財力，更浪費了寶貴的時間成本。

基本功不好會造成學琴過程中有一個惡性循環：簡單動作沒搞清楚就拉曲子、簡單的曲子還沒拉好就拉難的曲子、1級的基本要求還沒做到就學3級的曲子，曲子越拉越難、琴越練越歪，最終碰上一首曲子怎么都拉不下來。所以說學琴的基本功歪了，啥都不會正。

這樣的案例多么？太多了。

演奏樂器是門手藝，像小提琴、鋼琴、大提琴等學科經歷了幾百年的發展，已經有了一套世界通用的基礎訓練標準，這就是我們說的“基本功”?；竟虒W是衡量一位教師教學水平的試金石，這點在全世界任何一個教育體系中都是如此。

特別值得一提的是，在中國頂級音樂教育環境中，教師對于琴童的基本功訓練水平是極為出色的，這點已經獲得世界公認。但是由于中國不同地區的音樂教育發展極不均衡，頂級教師資源非常稀少，所以導致整體音樂教育水平參差不齊。

超乎想象的難

小提琴可謂古典音樂里的“完美樂器”，它在獨奏、協奏、室內樂、交響樂、歌劇中都是核心組成部分，因此小提琴演奏家能接觸到的作品量是其他樂器望塵莫及的。而且最神奇的是小提琴從400多年前到今天一直沒有變樣，由此可見小提琴的完美。

小提琴雖好，但也是最難學的樂器（之一）。小提琴不是隨便摸摸就能拉出旋律的樂器，它對于琴童基本功的要求非常高，一旦學錯可能就沒法再翻身了。所以學小提琴和教小提琴都是一件不容易的事情。

· 把琴放在脖子上就夠難

學習小提琴的第一步是持琴，也就是用脖子和肩膀夾住琴。小提琴的平均重量是500克，長時間的夾住小提琴可不是一件容易的事情，優秀的持琴姿勢意味著一系列細微角度的調整。

這種調整有多細？記得拍證件照時的經歷嗎：

攝影師：抬頭，多一點兒，多了多了，再回去點兒，再回來點兒，保持住，臉往左轉一點兒，再轉一點兒，多了再回去點兒，別動，現在左肩有點…被拍者已經僵硬。

實話實說，找到持琴這個姿勢的正確角度比拍證件照復雜太多。有經驗的老師要根據每個學生的身體情況找到適合的姿勢，因此世界上沒有一個人的持琴方法是完全一樣的。

琥珀君曾經問寧老師如何把琴夾住，寧老師這樣形容：優秀的持琴感不是用肩膀和脖子“夾住琴”，而是像磁鐵一樣自然的“吸住琴”。神奇不？

· 運弓是個大學問

持琴不容易，把弓拉直更難。吃瓜群眾看見臺上的小提琴家拿著弓“上下拉”，專業人士看到的則是上百種運弓技巧。

琴童平時要掌握的基本運弓技巧包括：上弓、下弓、全弓、半弓、中弓、上半弓、下半弓、弓尖、弓根、分弓、跳弓、坡弓、頓弓、連頓弓、對稱弓法、不對稱弓法、換弓技巧、換弦技巧、輕、重、中、快、慢發音技巧等等數十種基礎運弓方法。每種弓法都需要專門練習才能掌握，當然這還只是基礎技巧。

不僅如此，在成熟的音樂作品中，比如奏鳴曲、協奏曲、室內樂、交響樂等形式，職業演奏者使用的樂譜都是“凈譜”，這意味著作曲家只考慮音樂怎么寫，具體怎么拉出來全看演奏者的智慧。演奏者要把這些弓法以最合理的組合方式運用到音樂里，每種弓法都對應不同的音樂語氣，這些語氣組合在一起構成了不同時代的音樂風格。

如果琴童對于基礎運弓技巧沒有足夠的認識，隨隨便便用弓，那么他的演奏肯定會出問題：簡單的作品能拉下來，但是聽起來覺得特別奇怪。難的作品則很難完成。

·左手是個“操作系統”

小提琴不像鋼琴有鍵盤，也不像吉他有標記，小提琴的音準全憑演奏者的手感。不僅如此，小提琴四條弦中每個音之間的距離都是不一樣的。因此當我們看到有人拉了一首“野蜂飛舞”時，實際上他的手像精密的機器一樣準確的落在正確的位置，誤差以十分之一毫米計算。

所以，怎么建立這種“手感”？

答：培養把位概念，建立左手“操作系統”。

如果用鍵盤寬窄來表現小提琴每個音的距離將是這個樣子。

“把位概念”首先是一種距離感，很多琴童在學習初期用“把位貼紙”輔助建立距離感。

在建立了初期的“把位概念”后，左手就要升級成為一套“操作系統”。在這里有至少幾十種把位排列，每個把位都伴隨著四個手指的交替，每一次把位交替都必須是最合理的，手指的每一個動作都要做到張弛有度。一場音樂會的作品伴隨著成千上萬次的把位規則與指法的規劃，這些內容如同一個個程序，演奏者需要通過大量的練習讓他們看見樂譜就能“自動運轉“。

在左手的“操作系統”包含著很多奧秘，它涉及到無數種把位規劃方法和手指運動細節，不同的作品對于把位規劃的思考方式也很不一樣。要想理解其中的奧秘不僅需要演奏大量的作品，更需要老師細致的指導。有經驗的老師也許僅用幾句話就能讓演奏者的多余動作大幅減少，從而提高“系統”的流暢性。當然這一方面基于演奏者本身優秀的肢體協調性，另一方面則來自老師的智慧與知識儲備。

當一場音樂會進入尾聲時，舞臺上的演奏者經歷了上、下半場長達90分鐘的高強度演奏，這對于每一位小提琴演奏家、室內樂音樂家以及樂隊成員來說都是不小的挑戰，此時任何一個多余的動作都會讓整個音樂崩塌。（作品：舒伯特第十四弦樂四重奏 “死神與少女”結尾處，琥珀四重奏音樂會現場實況）